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mandy (panos cosmatos, USA/BE 2018)

Wenn man in zehn bis zwanzig Jahren auf das amerikanische Kino der späten 2010er Jahre zurückblickt, auf der Suche nach den augenfälligsten Manifestationen der kollektiven (Geschlechter-)Befindlichkeiten und Konflikte unserer Zeit (vor allem in Bezug auf die Rolle des Mannes in einer zunehmend – so die Ängste vieler – überzivilisierten Gesellschaft, die dem archetypisch „Männlichen“ immer kritischer gegenüber steht) – man würde in Mandy, Panos Cosmatos‘ zweitem Kinofilm nach Beyond the Black Rainbow (2013), wohl auf spektakulärst mögliche Weise fündig werden. In Mandy bricht das Unwohlsein mit der (Über-)Vorsicht unserer Zeit so wild und wütend hervor, wie schon lange nicht mehr im Kino: in einer zweistündigen, ungehemmten Orgie mythischer Männerbilder lässt Cosmatos am Beispiel dreier zentraler Männerfiguren das Wilde, Primitive und sozial Unverträgliche in farbenprächtigsten, einnehmenden Bildern über die Leinwand flackern, die man – folgt man den Imperativen unserer Zeit – eigentlich nur als unangebracht empfinden kann. Man müsste meinen, dass der „wilde Mann“ (wie ihn der Schriftsteller Robert Bly in seinen mythopoetischen Männerselbstfindungs-Ratgebern der ausgehenden 1980er und frühen 1990er Jahre konstruiert) am Beispiel zeitgenössischer Androzentristen und Impulstäter wie Donald Trump oder Harvey Weinstein genug Abschreckendes gefunden haben sollte, um sich zu mäßigen – doch weit gefehlt: die aus den Unappetitlichkeiten der Trump-Ära und des Falles Weinstein erwachsenen Forderungen nach Zurückhaltung scheint der männliche Held des neuen, harten Genrekinos zum Anlass zu nehmen, um sich nur noch mehr in Rage zu kochen, und das im Kern noch gewaltlose Bly’sche Konzept einer ausgeglichenen, in sich ruhenden Männerwildnis nunmehr ins völlig Monströse eskalieren zu lassen.

Am Anfang von Mandy steht jedoch noch der Frieden und die Liebe – wenngleich auch in Form einer (tendenziell) bereits sehr männlichen Aussteiger-Fantasie: in der Wildnis der nordamerikanischen Wälder hat es sich der bärtige, wortkarge Holzfäller Red Miller (Nicolas Cage) mit seiner großen Liebe Mandy (Andrea Riseborough) in einem kleinen Domizil hübsch eingerichtet – ein kleines Landhaus an einem See, paradiesisch-wild, im Schoß der Natur. Sein Tagwerk, scheinbar das letzte, verhasste Überbleibsel der modernen, kapitalistischen Welt, verrichtet Miller teilnahmslos, eigentlich eher grummelig und widerwillig, und erst die gemeinsam mit Mandy verbrachten Abende in der Dunkelheit der Wälder, am selbst entzündeten Lagerfeuer, denen der Film eine lange, fast hypnotische Exposition von beinahe einer halben Stunde widmet, scheinen ihm Glück und Frieden zu bringen. Die Frau wirkt dabei meist wie eine stille Beobachterin, beinahe wie eine „Schülerin“ des wilden Mannes: aufmerksam erforscht sie das Wilde in und um Miller, lässt es sich erklären (in einer Szene, in der beide im Boot auf dem großen See treiben, macht es den Eindruck, als ob Miller mit enthusiastischen Gesten die Wildnis – und den männlichen Blick auf sie – zu veranschaulichen versucht, während Mandy, zurückgelehnt, einem Publikum gleich, Millers Ausführungen rezipiert) – insgesamt scheint Mandy in diesen ersten dreißig Filmminuten ein tieferes Verständnis für die sie umgebende Wildnis zu entwickeln als Miller selbst, der in vielen Momenten weitaus unsicherer wirkt, und sogar den Gedanken äußert, das Leben in den Wäldern aufzugeben und wegzuziehen. Selbst die angsteinflößendsten Ausprägungen des Wilden, denen sie (real und retrospektiv) begegnet, scheinen Mandy nicht nachhaltig zu verunsichern, geschweige denn sie von ihrer forschenden Neugier abzubringen: im Wald findet sie ein gerissenes Rehkitz, und Miller erzählt sie abends von den Erinnerungen an ihren Vater (dem zweiten „wilden Mann“ des Films), der sie als junges Mädchen in die Gewalt initiieren wollte, indem er alle Kinder der Nachbarschaft Vogelküken erschlagen ließ. Daraufhin spürt Mandy dem Wilden auch im Mythologischen nach, liest das esoterische Buch „Seeker of the Serpent’s Eye“ – und trifft wenig später auf den dritten wilden Mann des Films: den Sektenführer Jeremiah Sand (Linus Roache), der mit seinen „Children of the New Dawn“ auf der Suche nach neuen Anhängern durch die Wälder streift, und sich nimmt, was er will. Von ihm wird Mandy entführt, unter Drogen gesetzt, und kurz darauf umgebracht.

Ein trauriges, sinnloses Ende, dass es dem Film (und Red Miller) jedoch nun ermöglicht, völlig die Fassung zu verlieren. An die erste Filmhälfte, die die Eskalation des Männlichen durch die Perspektive der Frau vorausahnt, schließt sich Millers Rachefeldzug gegen Jeremiah Sand und die anderen Mitglieder der Sekte an – inszeniert als grandiose Orgie männlicher Selbstverwirklichung. Überlegenheit, Dominanz, Wettkampf: all die aggressiven Ausprägungen der Männerwildnis, die vorher nur vage und unausgesprochen über den Wäldern, über Mandys Wahrnehmung und ihren Erinnerungen lagen, werden nun zu expliziten Konstanten und prägen die weiteren 60 Minuten des Films, die in der stufenweisen Abarbeitung der Gegner an die Levelstruktur von Computerspielen erinnern. Immer mehr verfremden sich die Wälder um Miller zu einem mythischen Fantasie-Kosmos, es brodelt und dampft aus Geysiren und kleinen Vulkanen, der Himmel ist in blutrote Farben getaucht, und die Sektenmitglieder, die Miller mit einer selbstgeschmiedeten Streitaxt bekämpft, fordern die Männlichkeit des Protagonisten mit grotesken, alptraumhaft übersteigerten Phallussymbolen heraus. Ein wilder, feuerspuckender Schlund, der den Mann zum Mann formt – und auch wenn Cosmatos kaum ein archaisches Bild auslässt, um Miller auf seiner Reise zu sich selbst zu visualisieren, so schält sich doch immerhin ein kritisches Bewusstsein dafür heraus, wo sich die mythischen Konstrukte des Männlichen im zivilisatorischen Gefüge unserer Zeit einzuordnen haben: wie auch in den Filmen von S. Craig Zahler (mit denen Mandy in seiner ungezügelten Männerwut vielleicht am ehesten zu vergleichen ist) findet das Finale, die letzte Kollision der Männer-Egos, in einer dunklen Höhle statt – außerhalb der Gesellschaft, weggeschoben und verdrängt in die nächtlichen Schatten und Unterwelten des gesellschaftlichen Bewusstseins. Bei Tageslicht (oder auch: außerhalb des Kinos) haben die mythologischen Urwüchsigkeiten aus den wilden Träumen von Cosmatos und Zahler keinen Bestand mehr.

Am Ende hält das Wissen um gesellschaftliche Realitäten Cosmatos jedoch nicht vom aktiven Gegenentwurf ab: als Miller nach seinem gottgleich ausgespielten Racheakt die Höhle verlässt, hat sich die Welt um ihn herum nicht verändert, ist immer noch die gleiche, brennende Fantasie-Landschaft wie zuvor. Die Rückkehr in die Ordnung und Vorsichtigkeit der Realität findet nicht statt – Miller bleibt, und wir (so will es Cosmatos wohl) sollen auch bleiben. So ironiefrei und distanzlos, wie sich Miller und Mandy zu Beginn des Films Don Dohlers gering budgetiertes, von einer breiten Öffentlichkeit wahrscheinlich ebenso (als „Trash“) missachtetes ‚creature feature‘ Nightbeast (USA 1982) anschauen, so liebevoll umarmt möchte er das von ihm Zelebrierte, das unerhört Männliche, auch von seinem eigenen Publikum wissen. Eine Relativierung ist letztlich genauso unnötig wie die feministische (oder gewissermaßen: vernünftige) Perspektive, aus der heraus man sicherlich vieles an Mandy wahlweise belächeln oder verurteilen könnte. Denn das Kino vergibt und erlaubt uns bedingungslos. Und gerade in den wutschäumenden Welten von Mandy legt es den Mythen des Männlichen – egal, wie tief sie dieser Tage in der Krise stecken – die vielleicht schönsten und abenteuerlichsten Spielplätze an, die man sich wünschen kann.

die teuflischen von mykonos (nico mastorakis, GR 1975)

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Anlässlich der wunderbaren Bluray-Veröffentlichung* von Nico Mastorakis‘ griechischem Exploitation-Klassiker Ta paidia tou diavolou (aka Die Teuflischen von Mykonos) durch OFDb-Filmworks möchte ich zu einem kurzen Loblied auf diesen fulminanten Vertreter filmischer Zügellosigkeit ansetzen.

Zunächst einige Worte zur Handlung: der kurz nach dem Zusammenbruch der griechischen Militärdiktatur 1974 entstandene Film begleitet die beiden Protagonisten Christopher und Jane, ein junges Geschwisterpaar aus England, bei ihrem Urlaub auf der griechischen Insel Mykonos. Christopher, ein vorgeblich religiös motivierter Fundamentalist, hat es sich dabei zum Ziel gesetzt, die Insel von Perversion und Devianz zu befreien und so mordet er sich unter Zuhilfenahme von Säbeln, Sicheln und diversen motorisierten Vehikeln (Flugzeug, Planierraupe) durch die Freigeister der Insel: Künstler, Homosexuelle, Unangepasste. Seine Schwester Jane, mit der er eine inzestuöse Beziehung führt, mischt munter mit, doch am Ende kommen Zweifel in ihr auf. Ein primitiver Schafhirte, bei dem die beiden auf ihrer Flucht vor der Polizei unterkommen, verbündet sich mit Jane, vergewaltigt Christopher und lässt ihn in einer Kalkgrube verenden.

Bekannt sind die Äußerungen des Regisseurs, er habe mit Die Teuflischen von Mykonos einfach nur ein einträgliches Geschäft machen wollen – ein kassenträchtiger Exploitation-Reißer als Finanzierungshilfe für kommende Projekte, inspiriert vom Erfolg amerikanischer Vorbilder wie The Last House on the Left (Wes Craven, 1972) oder The Texas Chainsaw Massacre (Tobe Hooper, 1974). Vielen Kritikern und Filmwissenschaftlern reichte diese Erklärung nicht aus, und so wird Mastorakis‘ Film bis heute vor allem auch als Allegorie auf die faschistischen Säuberungen während der griechischen Junta gelesen. Eine auf den ersten Blick naheliegende Interpretation, vor allem wenn man sich die faschistische Motivation des Protagonisten, alles Unkonventionelle und damit „Perverse“ auszurotten, vor Augen führt.

Dennoch möchte ich mich dieser Lesart nicht anschließen. Auf mich machte Die Teuflischen von Mykonos nur selten den Eindruck einer kritischen Gewaltstudie, sondern versprühte vor allem eines: Ausgelassenheit. Die überschwängliche Lust am Tabubruch, aber auch das sonnige Urlaubssetting oder der Einsatz schwerer, ungewöhnlicher Maschinen zeugen von purer, ungehemmter Freude an einem „Kino der Attraktionen“ – und erinnerten mich oft an eine kostengünstige Variante der exotisch-spektakulären Setpieces aus den James-Bond- oder Indiana-Jones-Filmen. In einer der erinnerungswürdigsten Szenen des Films knöpfen die beiden Protagonisten einen Polizeibeamten am Flügel eines Kleinflugzeugs auf und werfen ihn im Flug über der Insel ab. Mit kindlicher Freude entledigen sich Christopher und Jane hier der Autorität, werfen den moralischen und zivilisatorischen Zwang über Bord – alles scheint erlaubt, anything goes: die Urlaubssituation der Hauptfiguren wird letztlich zum „Urlaub“ der Filmemacher, zur Auszeit von der herrschenden Ordnung. Der zur Schau gestellte Amoralismus ist dann auch nur die radikalste Form wiedergewonnener filmischer Freiheit – ein künstlerisches Pamphlet sozusagen, und ein Befreiungsschlag für das griechische Kino nach der Diktatur; einer Diktatur, die sich in ihren Grundfesten, wie so oft, auf konservative, ganz und gar anti-anarchistische Moralvorstellungen bezog. Letztendlich glaube ich nicht, dass Mastorakis seinen Figuren mit irgendwelcher Abscheu begegnet: im artifiziellen Kosmos des Films sorgen sie nämlich für größte Spielfreude, für radikalen Frohsinn abseits strenger Staatsdoktrin – und werden folgerichtig von der Inselpolizei als gesellschaftlich destabilisierende Elemente gejagt.

Am Ende scheint Mastorakis‘ Film dann noch einmal umzuschwenken: Jane zweifelt und gibt sich dem Unschuld symbolisierenden Schafhirten hin. Doch auch der hat mit Moral letztlich wenig am Hut und räumt kurzerhand seinen sexuellen Konkurrenten aus dem Weg. Alles beim Alten also – der anarchistische Spieltrieb, das Primat der Boshaftigkeit hat erneut gesiegt. Aber bei den Teuflischen von Mykonos geht das in Ordnung: es ist ja schließlich Urlaub.

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*Das in zwei Cover-Varianten angebotene Mediabook von OFDb Filmworks macht einiges her und ist bis an den Rand gefüllt mit interessantem Bonusmaterial. Hier gilt es in jedem Fall zuzugreifen und sich zu Christopher und Jane an die sonnigen Küsten von Mykonos zu gesellen – prächtiger erstrahlt das mediterrane Massaker wohl nur im originalen 35mm.